Историческият център на Сарагоса се превърна в център за съвременно изкуство в Испания през последните месеци благодарение на изложбата „Комиксът в съвременното изкуство: икони, мит и разказ“. Изложбата повдига въпрос, който от известно време се върти в музеите и художествените класове: до каква степен езикът на комиксите може да се счита за централен инструмент в съвременното творчество, а не просто за форма на забавление или популярна култура?
Изложбата далеч не предлага просто представяне на оригинални комиксови произведения, а представя 70 произведения на 32 международно признати художници , вариращи от исторически фигури на поп арта до ключови имена в градското изкуство, японския неопоп и световната визуална култура. Посетителите ще открият пътешествие, което свързва комикси, анимация, медийни икони и социални коментари, събрани в Сарагоса до 23 август.
Дати, място и изложбен проект
„Комиксът в съвременното изкуство: Икони, мит и разказ“ може да бъде посетена в Историческия център на Сарагоса от 9 април до 23 август. Изложбата е курирана от Антонела Монтинаро и е продуцирана от Общинския съвет на Сарагоса в сътрудничество с GACMA. Проектът е предназначен за широка аудитория, като същевременно се поддържа строг исторически и художествен подход.
Разказът на изложбата предлага пътешествие, обхващащо периода от средата на 20-ти век до наши дни, анализирайки как комиксите, анимацията и поп културата са се превърнали в истинска движеща сила на визуалната мисъл. Не става въпрос за преглед на еволюцията на самата медия, а по-скоро за показване как нейните кодове са проникнали в живописта, скулптурата, дизайна, музиката и градското изкуство.
За града, появата на този проект представлява рядка възможност извън големите международни музеи : да види произведения на художници, които в много случаи обикновено се представят в големи европейски и северноамерикански арт центрове, събрани в едно пространство. Организаторите подчертават именно този изключителен характер, както заради известността на художниците, така и заради съгласуваността на наратива, който ги свързва.
Самата кураторка обобщава целта на предложението в една ясна идея: да легитимира комиксите като естетическа референция в рамките на различни движения на съвременното изкуство през последните петдесет години и да покаже как тяхната иконография е преминала от вестникарските будки до стените на музеите.
Комиксите като централен език на съвременното изкуство
Една от централните идеи на проекта е, че комиксите и анимацията са се превърнали в утвърдени езици, способни да артикулират сложна визуална мисъл . Техните ресурси – последователност и панели , използване на цвят, ономатопея, емблематични герои – са били присвоени от различни поколения художници, за да разсъждават върху потреблението, политиката, идентичността, паметта и глобализацията.
Посетителите могат да видят как изображения, традиционно свързвани със супергерои като Супермен или Спайдърмен, или с герои от манга и анимация , са се превърнали в част от споделена художествена митология. Откъснати от първоначалния си контекст, тези икони разкриват социалното, икономическото и културното напрежение на епохите, в които са се появили.
Изложбата ясно показва, че комиксите вече не се възприемат като „маловажно изкуство“ или просто забавление. Както подчертават както кураторът, така и градските власти, това предубеждение е остаряло и днес се приема, че комиксите са повлияли на визуалния пейзаж на цял век. Историческият център използва тази възможност, за да илюстрира по много графичен начин как се е случил този преход.
Далеч от това да е просто носталгичен поглед, проектът предлага диалог между различни епохи и движения . По този начин, произведения, свързани с появата на поп арта през 60-те години на миналия век, съществуват едновременно с произведения, които се занимават с постмодернизма от 90-те години, възхода на японския неопоп и разширяването на градското изкуство като канал за директна критика.
Резултатът е пътешествие, което показва как комиксите, рекламите, анимационните филми или обложките на плочи са били абсорбирани от художниците като легитимен работен материал , способен да поддържа наративи, толкова сложни, колкото тези на всяка друга пластична традиция.
От Рой Лихтенщайн и Анди Уорхол до поп арта и индустрията на комиксите
Изложбата започва със секция, фокусирана върху индустрията на комиксите и раждането на поп арта . Първата част включва ситопечати и офсетови репродукции на личности като Рой Лихтенщайн, Анди Уорхол и Едуардо Паолоци, както и мултиплейс от Клаес Олденбург и KAWS, които вземат за отправна точка герои, дълбоко вкоренени в популярното въображение.
Известното присвояване на карикатури и вестникарски ленти от Лихтенщайн се приема тук като решаваща повратна точка . Произведения като прочутия „Виж, Мики“ бележат прехода от абстрактния експресионизъм към език, който безсрамно приема комиксите и анимираните изображения като художествен материал. Оттогава нататък границите между високата и масовата култура започват да се размиват.
В стаите, посветени на този период, можете да видите и ситопечати, които си играят с икони от вселената на Дисни , преразгледани от иронична и критична гледна точка. Работата на Фернандо Белвер се откроява например, тъй като той преосмисля герои като Мики Маус и други студийни класики с подход, който се колебае между пародия и почит.
Този раздел подчертава как от 50-те и 60-те години на миналия век европейски и северноамерикански художници са използвали графичния език на комиксите и рекламата, за да поставят под въпрос консуматорството, медийното бомбардиране и изграждането на слава. Тези произведения служат като основа за разбиране на останалата част от изложбата, тъй като отварят пролуката, през която по-късни творци ще се промъкнат.
Този първи раздел ясно показва, че дори преди комиксите да бъдат напълно признати от музеите, много художници вече са възприели визуалните си ресурси като неразделна част от работата си, предвиждайки дебати за оригиналност, копиране и присвояване, които все още са много актуални днес.
Европейска наративна фигурация и политическа критика
След диалога с поп арта, посетителят попада в секция, посветена на европейската наративна фигурация , където имена като Валерио Адами, Едуардо Аройо, Еро, Екипо Кроника, Ерве Телемак или Бернар Рансилак подчертават политическото измерение на комиксите и способността им да фрагментират и прекомпозират истории.
Тези произведения пренасят структурата на комикса в живописта, генерирайки сцени, наситени с исторически, кинематографични и медийни препратки . Далеч от буквалното възпроизвеждане на страници от комикси, те предлагат композиции, където разпознаваеми герои, фрагменти от текст и символи на масовата култура съжителстват, всички подредени така, че да ангажират директно зрителя.
Един от акцентите е „Бъстър Кийтън и Заекът“ на Бернард Рансилак, в който легендарният актьор от нямото кино държи Бъгс Бъни на рамото си, докато поглъща морков. Това съпоставяне на две емблематични фигури от различни епохи перфектно капсулира намерението на изложбата : да покаже как измислените герои многократно се използват повторно, за да се разсъждава върху настоящето.
В тази област европейската перспектива се оказва особено остра, когато се разглеждат теми като властта, медиите и историческата памет . Комиксите се превръщат в ресурс, който позволява въвеждането на хумор, отстраненост и дори известна степен на непочтителност, без да се избягва засягането на неудобни теми.
Фрагментацията на повествованието, припокриването на плоскостите и смесването на текст и изображение ясно намекват за логиката на комиксите, но същевременно се ангажират с по-ранни изобразителни традиции. Именно това напрежение между класическото наследство и популярната култура придава на тези произведения особена сила в рамките на изложбата.
Постмодернизъм, глобална визуална култура и японски неопоп
Следващата част на изложбата се потапя в територия, белязана от постмодернизма и глобализацията на образите . Тук се появяват художници като Коте Ескрива, Рикардо Каволо, Юда Ариета и Рийко Сакинен, които вземат герои от анимация, видеоигри и телевизионни сериали като отправна точка, за да деконструират, изкривят или преувеличат техните черти.
Тези произведения често представят променени версии на Мики Маус, Гуфи, Дораемон, Супер Марио, Гарфийлд и други анимационни герои . Чрез тези икони, художниците откриват разговори за потребителската култура, детството като медийна конструкция и как големите франчайзи са колонизирали колективното въображение.
От особено значение в този раздел е японският неопоп , представен от Такаши Мураками и Йошитомо Нара, две от най-влиятелните имена на международната сцена в последно време. Техните произведения показват как мангата и анимето са еволюирали от продукти, свързани с млада аудитория, до езици, способни да се справят със самотата, травмата, насилието и желанието с привидно нежна естетика.
В залите, посветени на тази секция, можете да видите големи литографии на Мураками, в които герои, напомнящи за кавайи, съжителстват с флорални мотиви и разпознаваеми фигури от поп културата, като Мики Маус и Дораемон. Под тази цветна повърхност се крият размисли за късния капитализъм, следвоенна Япония и връзката между изкуството и пазара.
Йошитомо Нара, от своя страна, допринася с фигури с детски вид, но с двусмислени жестове, внасяйки усещане за безпокойство под карикатурната естетика . Отново, това, което на пръв поглед изглежда като почит към комиксите, се разкрива като инструмент за поставяне под въпрос на социалните и емоционалните конвенции.
KAWS, масова култура и съвременни фетиши
Друго име, което подчертава международния измерение на изложбата, е KAWS, художник, чиито герои и скулптури са се превърнали в истински фетиши на съвременната популярна култура . В Историческия център посетителите могат да видят множество произведения, в които художникът преосмисля детски и анимирани фигури, често с X-образни очи и изкривени тела.
Тези произведения функционират като коментар върху комодификацията на изкуството и масовото разпространение на изображения . Самият KAWS е сътрудничил с модни марки, производители на играчки и големи търговски фирми, нещо, което в контекста на изложбата се интерпретира не само като стратегия за разпространение, но и като съществена част от неговия дискурс.
Тяхното присъствие в Сарагоса добавя още един пласт към разказа, показвайки как някои художници, обучени на пресечната точка на графити, графичен дизайн и колекционерска култура, са постигнали видно място в музеите и панаирите на съвременното изкуство. По този начин границата между фен арт, продукт и музеен експонат става по-трудна за определяне.
Наред с KAWS, други произведения в изложбата демонстрират как комиксите са се преплели с логиката на франчайзите, кръстосаните промоции и трансмедийната експанзия. Герои, произхождащи от комикси или анимационни сериали, сега се появяват върху тениски, винилови плочи, скулптури, видеоигри и рекламни кампании – феномен, който изложбата ни кани да наблюдаваме с известна критична дистанция.
В този раздел посетителят може ясно да възприеме как вкусът към колекционерското, сериализираното и лимитираното е част от съвременния речник на изкуството, до голяма степен наследявайки логиката на щапелните издания, тиражите и специалните издания, типични за света на комиксите.
Градско изкуство, контракултура и директна критика
Градското изкуство заема ключово място в рамките на „Комикс в съвременното изкуство“ с творци като Банкси, Кийт Харинг, D*Face, Flying Fortress (заедно с Pez) и Реймънд Петибон . Всички те са пренесли езика на комиксите и илюстрациите по градските стени, често без разрешение и в контексти със силен политически подтекст.
Тези произведения демонстрират как комиксите се превръщат в инструмент за непосредствена комуникация , способен да предава директни послания в обществени пространства. Банкси например е използвал анимирани герои и силно разпознаваеми визуални препратки, за да осъжда войни, неравенства или екологични проблеми, както е показано в плакат, който той създава за кампания на Greenpeace, включващ герои от „Книга за джунглата“.
Кийт Харинг, от своя страна, разработва език от силуети и танцуващи фигури, който, макар и да не е строго комикс, споделя с тях графична простота и желание да достигне до много широка аудитория . Неговите стенописи и рисунки показват как градската култура и естетиката на комиксите са се хибридизирали от 80-те години на миналия век насам.
Реймънд Петибон, известен както с рисунките си, така и с работата си с пънк и алтернативни рок групи, служи като мост в изложбата между музикалната сцена и ъндърграунд комикс традицията . Неговите остри реплики, ръкописни текстове и фрагментирани сцени директно напомнят за фензините и независимите издания.
Взети заедно, тези произведения демонстрират промяна в комиксите към контракултурни и протестни контексти, където изображенията престават да бъдат ограничени до печатни страници и вместо това се появяват върху билбордове, стени и плакати. По този начин Историческият център представя ключова глава за разбирането как комиксите са се свързали със социалните борби и последните политически дебати.
Комикси, дизайн, музика и други творчески връзки
Последната част от обиколката изследва връзките между комиксите, графичния дизайн, анимацията и поп музиката . Тук се изявяват артисти като Джейми Хюлет, Тод Макфарлън и Джулиан Опи, чиито произведения са оказали забележително влияние върху визуалната култура през последните десетилетия.
Джейми Хюлет, съ-създател на „Tank Girl“ и отговорна за визуалната вселена на Gorillaz, е представена чрез обложки на албуми и произведения, където естетиката на комиксите е хибридизирана с музикални видеоклипове и дизайн на герои . В тази секция са изложени и произведения на Тод Макфарлън, свързани с групи като Korn, демонстрирайки как изкуството на комиксите и графичният дизайн са дефинирали цялостни звукови идентичности.
Джулиан Опи, със своите опростени фигури с остри контури и плоски цветове, демонстрира степента, до която определени графични ресурси, подобни на комиксите, са се нормализирали в съвременното изкуство и дизайна на табели и корици на книги . Посетителите могат да разпознаят ехо от пиктограми, класически видеоигри и комикси в неговите творби.
Изложбата завършва с произведения на художници като Деймиън Хърст, Ай Вейвей и Рикардо Каволо, които разширяват разговора в символични и социални сфери. Техните творби съдържат явни препратки към анимирани или комиксови герои , използвани за разглеждане на теми като политически контрол, наблюдение, насилие и колективна памет.
Наред с тях, имена като Фернандо Белвер, Пепе Родригес, Юда Ариета или Махоми Куниката допринасят за показването на разнообразието от стратегии, чрез които се осъществява диалог с комиксите днес, независимо дали чрез ремиксиране на детски икони, изкривяване на филмови герои или игра с паметта на телевизионни сериали, белязали поколения.
По този начин посетителят завършва обиколката с усещането, че е прекосил визуален пейзаж, в който практически всички творчески дисциплини са черпили, в по-голяма или по-малка степен, от наративните и естетически формули на комиксите.
Предложението на Центъра за история ясно показва едно нещо: комиксите и анимацията са се превърнали от периферна позиция в център на художествения дебат . От Сарагоса, тази изложба предлага широк преглед – от поп арт до японски неопоп, от градско изкуство до музикален дизайн – който ни позволява да разберем как панелите, героите и графичните вселени в крайна сметка са променили начина, по който виждаме света, демонстрирайки, че това, което е започнало сред основните стоки и вестникарските будки, сега е в пряк диалог с основните наративи на съвременното изкуство.
